Luisa Bonsanti, figlia di un ingegnere, viene rapita sotto gli occhi della prostituta Marisa e di alcuni involontari passanti
L’ingegner Bonsanti informa del rapimento il commissario Caprile mentre la banda che ha rapito la piccola Luisa, che risponde agli ordini dell’uomo che è dietro al sequestro chiamato il Maestro discute sull’entità del riscatto da chiedere per la liberazione della stessa Luisa.
La polizia non ha altra pista se non quella di Marisa, l’unica fonte attendibile per capire chi si nasconda dietro il rapimento.

Così, in attesa di una telefonata da parte dei rapitori, la polizia perde tempo inutilmente in quanto la donna sembra essere del tutto all’oscuro non avendo potuto vedere i rapitori, coperti da cappucci.
Il commissario Caprice ha dei sospetti sul più importante mafioso della zona, Don Francesco, che però si dichiara completamente estraneo alla faccenda: l’uomo infatti, pur non potendo escludere la partecipazione di qualche suo uomo all’azione criminale, dichiara con forza di avere un codice morale che gli impedisce di utilizzare donne e bambini come vittime di sequestri o di atti criminosi.
Ed è proprio il mafioso a individuare, dopo una serie di avvenimenti, il luogo dove il misterioso maestro ha posto la sua base operativa; Don Francesco uccide il maestro e dopo aver liberato la piccola Luisa fornisce anche le indicazioni per ritrovare i soldi del riscatto.

Fatevi vivi la polizia non interverrà è un poliziesco girato nel 1974 da Giovanni Fago, qui al suo primo (ed anche unico) poliziesco dopo aver girato tre western, il più famoso dei quali O Cangaçeiro (1970) interpretato da Thomas Milian aveva ottenuto un buon riscontro al box office.
Il film non ha particolari motivi di interesse, essendo un poliziesco abbastanza tradizionale, uno dei tanti prodotti del genere che affollarono le sale cinematografiche nella parte centrale degli anni settanta.
Ha però dalla sua l’ambizione di radiografare uno dei temi più scottanti della cronaca nera dell’epoca, ovvero la piaga dei sequestri di persona, utilizzando questa volta la novità del sequestro di una bambina.
L’indagine socio politica sulla storia, l’intreccio tra malavita e forze dell’ordine e altri possibili sviluppi della tematica restano però delle pie illusioni, in quanto il film non si scosta mai da una certa banalità di fondo, che si registra sopratutto nei dialoghi evidentemente artefatti e superficiali.

Però il film ha dalla sua qualche buona iniziativa, ha una buona fotografia e un certo senso del ritmo e sopratutto vede tra i protagonisti un ottimo cast di attori sicuramente espressivi.
Pur non scendendo mai sul terreno della denuncia e non approfondendo mai la tematica del rapimento come espressione del disagio sociale degli anni di piombo, il film ha un suo decoro e quanto meno ha un buon ritmo e sopratutto non scende mai sul terreno della bassa macelleria, uno degli espedienti più usati nel genere poliziesco.
Come dicevo, il film ha un cast di ottimo livello che include il qui legnoso Henry Silva (il commissario Caprice), generalmente utilizzato come cattivo in molte produzioni e questa volta nei panni del commissario intelligente, acuto; Philippe Leroy, sempre moderato ed elegante nei panni del Maestro, deux ex machina organizzatore del rapimento,Gabriele Ferzetti, il mafioso dal rigido codice morale e le due presenze femminili, Lia Tanzi e Rada Rassimov, la prima nei panni della prostituta Marisa e la seconda in quelli di Marta.

Fago dirige un film tutto sommato godibile, senza grossi scatti ma anche senza vistose cadute di tensione.
Nessuna indicazione, purtroppo, su siti che permettano una visione in streaming del film; unica possibilità, il download del film, rigorosamente in lingua inglese, al link http://k2s.cc/file/2f2b1878fa5dc/Ki74nap.rar
Fatevi vivi, la polizia non interverrà
Un film di Giovanni Fago. Con Henry Silva,Gabriele Ferzetti, Rada Rassimov, Philippe Leroy, Loris Bazzocchi,Pino Ferrara, Renato Pinciroli, Calisto Calisti, Bruno Boschetti, Luciano Bartoli, Rosita Torosh, Gianfranco Barra, Omero Antonutti, Lia Tanzi, Armando Brancia, Fausta Avelli, Franco Diogene Drammatico, durata 90 min. – Italia 1974.

Henry Silva: Commissario Caprile
Rada Rassimov: Marta
Philippe Leroy: il professore
Gabriele Ferzetti: Frank Salvatore
Franco Diogene: Nino
Lia Tanzi: Marisa
Calisto Calisti: mafioso
Marco Bonetti: rapitore
Pino Ferrara: Mercuri
Armando Brancia: avvocato
Loris Bazzocchi: mafioso
Paul Muller: Jimmy
Fausta Avelli: Luisa Barsanti
Luciano Bartoli: Pino

Regia Giovanni Fago
Sceneggiatura Adriano Bolzoni, Giovanni Fago
Musiche: Piero Piccioni
Montaggio:Alberto Gallitti
Fotografia:Roberto Gerardi
Casa di produzione Produzioni Associate Delphos

L’opinione del sito http://www.pollanetsquad.it

“Nonostante il titolo, il nuovo film di Giovanni Fago non si allinea pedissequamente dietro gli ormai tanti dedicati alla polizia italiana con non sempre chiare moralità politiche. “Fatevi vivi la polizia non interverrà” ha ambizioni sensibilmente maggiori del consueto, se non altro perché cerca di armonizzare due temi: da un lato la radiografia di un kidnapping; dall’altro un’indagine sui rapporti tra legge e mafia. Ciò detto, va anche subito aggiunto che tali ambizioni rimangono campate in aria, più annunciate che realizzate. Ma resta almeno al film un certo sapore di denuncia non velleitaria né qualunquista. E gli argomenti sfiorati hanno pur sempre il pregio di una drammatica attualità. […] Fago ha narrato in modo sufficientemente interessante pur se, tra le molte fila dell’intreccio, non sempre ha scelto e seguito le più significative, preferendo anzi spesso le più facili e spettacolari: col risultato di dover poi colmare certi vuoti psicologici mediante didascaliche battute che alla lunga non salvano i personaggi da una fondamentale banalità. […] “

L’opinione di Undjing dal sito http://www.davinotti.com

Il “maestro” (Philippe Leroy) dispone il sequestro della figlia di un ingegnere, convogliando le indagini della polizia – guidata da un monocorde Henry Silva – sulla banda capeggiata da Frank Salvatore (Gabriele Ferzetti). Confuso poliziesco maldiretto da un cineasta attivo su altri fronti: melodrammi (Il maestro di violino) e spaghetti western di terz’ultima generazione (Per 100.000 dollari t’ammazzo). Il film azzarda un sottotesto tipico dei tardo-polizieschi, ovvero la collaborazione tra le forze dell’ordine e alcune frange della malavita. Cast notevole, ma mal gestito.

L’opinione di Gestarsh99 dal sito http://www.davinotti.com

Gli echi di Milano odia risuonano ai confini svizzeri in più punti: il rapimento della pargola di famiglia abbiente; la gang di cani sciolti invisi alla malavita locale; il barcone-rifugio nascosto in un anfratto lacustre; il “colombesco” Henry Silva, stavolta passivissimo. Fago se la prende molto comoda, con l’azione ben chiusa in un cassetto e nonostante gli eventi di sangue stila un dramma poliziesco dai toni pacati e sereni. Pellicola semplicissima, di innocente linearità: non annoia e scivola via pacifica tra ampi interni lussuosi, eleganti facciate architettoniche e gli splendidi scorci naturali comensi.

Una storia truce, di quelle sporche in tutti i sensi.
La mano spietata della legge, diretto da Mario Gariazzo con sceneggiatura dello stesso regista, uscito nelle sale nel 1973 è uno dei polizieschi più duri e violenti nel suo genere, costruito attorno ad un canovaccio che vede tutti i topos classici del polizziottesco all’italiana riuniti per creare una pellicola che parla allo stesso tempo di mafia, vendette, poliziotti corrotti, potere politico altresi in collusione con la mafia e un poliziotto dai modi ruvidi e sbrigativi ma fondamentalmente onesto, che pagherà il suo impegno con la perdita della fidanzata e il trasferimento in altra sede quando si avvicinerà troppo agli intoccabili che muovono le file della storia.
Gariazzo dirige con mano ruvida ma sicuramente efficace un film che non presenta le tradizionali fughe in auto e l’altrettanto tradizionale inseguimento in auto; ma la storia ha ugualmente momenti molto forti, fra i quali spicca la famosa sequenza nella quale compare una fiamma ossidrica, manovrata dal glaciale Klaus Kinski che brucia letteralmente con una fiamma ossidrica le parti intime del malcapitato di turno, interpretato dal bravissimo Luciano Rossi

Il sunto della trama: mentre è in ospedale, piantonato dai poliziotti, il mafioso Esposito viene raggiunto ed eliminato da uno spietato killer.Le indagini sono seguite dal commissario Gianni De Carmine, che capisce di trovarsi di fronte al classico regolamento di conti.
Ma nel corso delle indagini stesse, tutti i testimoni e i protagonisti legati alla vicenda vengono eliminati mentre De Carmine, che ha problemi con i suoi superiori per i metodi troppo spicci con i quali opera si rende conto che all’interno della polizia c’è qualcuno che fornisce informazioni alla banda responsabile degli omicidi.
Nonostante venga anche catturato e sottoposto ad un duro pestaggio, De Carmine ostinatamente prosegue nelle sue indagini ma si avvicina troppo al livello più alto degli oscuri personaggi che sono dietro la vicenda.
La conseguenza sarà l’eliminazione della sua sfortunata fidanzata e infine, per fermarlo definitivamente, il suo trasferimento ad un altro commissariato.

Il regista piemontese Mario Gariazzo dirige quello che sarà il suo miglior film a due anni di distanza dal western Aquasanta Joe e prima di dirigere il discreto horror L’ossessa; è il periodo migliore del regista che non sarà mai più, in futuro, così felice nell’assemblaggio di un film sicuramente ruvido ma costruito con discreta abilità.
Se è vero che la pellicola non presenta certo una sceneggiatura innovativa, Gariazzo supplisce a ciò con una storia violenta, ben costruita e sopratutto ottimamente interpretata.
Non a caso tra i protagonisti troviamo attori eclettici come Klaus Kinski e Philippe Leroy, che anticipa in qualche modo il personaggio del poliziotto duro e intransigente che sarà la caratteristica, per esempio, dei personaggi interpretati da Maurizio Merli.

Accanto alla coppia troviamo anche Cyril Cusack, che l’anno successivo lavorerà ancora con Gariazzo nel “lagrima movie” Il venditore di palloncini oltre al bravissimo Sergio Fantoni e a due belle attrici, la futura principessa Ruspoli Pia Giancaro e la futura signora De Benedetti Silvia Monti.
Fausto Tozzi e Luciano Rossi fanno, al solito, parti minori; belle le musiche di Stelvio Cipriani.
Negli angusti limiti del film d’azione, senza grandi pretese di approfondimento dei temi affrontati (collusione potere mafia ecc.),La mano spietata della legge si rivela un discreto prodotto che si lascia guardare con piacere.
Purtroppo non posso segnalare link del film guardabili in streaming; tuttavia il film stesso è reperibile sui p2p in un’ottima qualità audio-video

La mano spietata della legge
Un film di Mario Gariazzo. Con Klaus Kinski, Philippe Leroy, Silvia Monti, Fausto Tozzi, Maria Pia Giancaro, Guido Alberti, Tony Norton, Sergio Fantoni, Rosario Borelli, Valentino Macchi, Marino Masé, Cyril Cusack, Lincoln Tate, Lorenzo Fineschi, Luciano Rossi Poliziesco, durata 100′ min. – Italia 1973.

Philippe Leroy: commissario Gianni De Carmine
Silvia Monti: Silvia
Klaus Kinski: Vito Quattroni
Fausto Tozzi: Nicolò Patrovita
Tony Norton: commissario D’Amico
Guido Alberti: Prof. Palmieri
Pia Giancaro: Lilly Antonelli
Denise O’Hara: Elsa Lutzer
Rosario Borelli: Salvatore Perrone
Marino Masè: Giuseppe Di Leo
Lincoln Tate: Joe Gambino
Cyril Cusack: Giudice

Regia Mario Gariazzo
Soggetto Mario Gariazzo
Sceneggiatura Mario Gariazzo
Casa di produzione Difnei Cinematografica
Distribuzione (Italia) Overseas Film Company
Fotografia Enrico Cortese
Montaggio Alberto Gallitti
Musiche Stelvio Cipriani
Scenografia Antonio Visone
Costumi Lorenzo Baraldi
Trucco Euclide Santoli, Cesare Paciotti

1 La mano spietata della legge
2 Momenti per amare
3 Caccia urbana
4 Con sentimento
5 Amore per lei
6 Attesa drammatica
7 Amore per lei (chitarra)
8 Con sentimento (bossa)
9 Attimi d’amore
10 Relax in the swimming pool
11 Amore per lei (vers. pianoforte)
12 Una giornata triste
13 Relax in the swimming pool (shake)
14 Attimi d’amore (vers. con tastiere)
15 Violenza
16 La mano spietata della legge (finale)

L’opinione di Ezio dal sito http://www.filmtv.it

Secondo la mia opinione uno dei polizieschi migliori degli anni sattanta.Intrighi finanziari e corruzione,non si salva nessuno ,nemmeno la polizia con i suoi vertici.Un Leroy teso e violento che le prende e le da ma alla fine deve alzare bandiera bianca.Anche le attrici sono tutte funzionali e danno alla pellicola una spruzzata di sesso ai punti giusti,funzionali alla pellicola.Vero cinema “bis” realizzato da Gariazzo un regista da rivalutare che ha saputo dare al film tensione dall’inizio alla fine.Piccola gemma

L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com

Esce a breve distanza dagli esempi di Castellari, Martino e Guerrieri, condividendo con essi i meriti di apripista del poliziesco all’italiana nato dopo il la di Vanzina e l’apocalittico quadro di un paese in balìa di poteri occulti che penetrano anche tra le forze dell’ordine. L’attenzione si sposta dal contesto urbano – di fatto irrilevante – alla figura del commissario di ferro, realisticamente ritratto nei suoi travagli interiori da un Philippe Leroy sanguigno e manesco. Cast gremitissimo e svolgimento secco e senza intoppi per una delle migliori regie di Gariazzo.

L’opinione di Bruce dal sito http://www.davinotti.com

Poliziesco duro e puro, con nessuna concessione alla battuta facile né allo spettacolo fine a se stesso. Violento e brutale, sullo stile di Di Leo, non a caso citato spesso nel film. Risulta lento e macchinoso, specie nella prima parte. Alcune sequenze rasentano il sadismo, con Klaus Kinski che non dice una sola parola ma non si dimentica. Grandissima interpretazione di Philippe Leroy nelle parti del commissario-pugile, duro e puro. Di sicuro non divertente, ma è da vedere.

Dal sito http://www.pollanetsquad.it

“Ancora un poliziesco all’italiana che, pur ricalcando gli schemi che contraddistinguono il genere, si fa apprezzare per un’inconsueta incisività di esposizione capace di conferire a fatti e personaggi il più efficace ritratto. […] Un po’ troppo accentuati, forse, gli episodi di violenza il che, tuttavia, è giustificato dalla trama stessa. Buona quindi la regìa di Mario Gariazzo cui va il merito, anche, di aver caratterizzato a dovere i personaggi […].”

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Versione romanzata (un po troppo) dello scandalo che coinvolse Suor Virginia Maria, al secolo Marianna de Leyva y Marino e il suo amante,il conte Gian Paolo Osio e che Alessandro Manzoni avrebbe immortalato nel suo immortale I promessi sposi.
Diretto nel 1969 da Eriprando Visconti, nipote del celebre Luchino, La monaca di Monza racconta in modo sommario e storicamente poco attendibile la vicenda che coinvolse Suor Virginia e Osio, suo amante e nel film suo stupratore prima e innamorato poi.
Una relazione proibita che nei fatti storici durò almeno 10 anni e che vide il conte Osio mantenere la sua relazione peccaminosa con Virginia dapprima e poi con altre tre sorelle poi, relazione dalla quale nacquero due figli, il primo dei quali morto dopo il parto.
Da questi fatti storici Visconti romanza la realtà, immaginando che a madre superiora di un convento di Monza dia rifugio al conte Osio, braccato dalle autorità.
Qui il violento e seduttore Osio stupra la superiora, che però si lega a lui diventando l’amante del conte e mettendo alla luce un figlio con la complicità tacita delle suore.

Visconti riprende quindi lo scandalo scoppiato agli inizi XVII secolo per girare un’opera senza infamia e senza lode, nella quale latitano oltre alla credibilità storica il ritmo e la dinamica.
Tutto il film si riduce infatti ai rapporti controversi tra i due amanti impossibili, mostrandoci un conte Osio stupratore dapprima e convinto innamorato poi e basandosi principalmente sugli aspetti morbosi della vicenda.
Stretto tra la logica commerciale e la necessità di dover creare un prodotto che riuscisse a superare gli scogli della censura, Visconti si barcamena e accontenta i suoi produttori dando un senso morboso all’operazione che compie senza però spingere tantissimo sulle scene erotiche proprio per evitare le forbici censorie.
Siamo nel 1969 e il moralismo dell’ente censorio è pronto ad abbattersi sulle pellicole più scabrose; l’argomento poi è di quelli tosti per cui dal punto di vista dei produttori la paura è ben comprensibile.
Tuttavia Visconti esagera con la travisazione storica:le figure di Virginia e Osio escono completamente differenti dalla realtà storica, così come inventata di sana pianta è il racconto dello stupro.
A questo proposito apro una parantesi.

Dai resoconti storici sappiamo, dagli atti del processo che si tenne contro Marianna de Leyva che la donna, dopo un inizio burrascoso dei suoi rapporti con lo scapestrato conte Osio, allacciò con esso una relazione peccaminosa, che vide coinvolte a vario modo in una torbida partouze due consorelle del convento, Suor Ottavia e Suor Benedetta.
Per ben 11 anni il gruppo si macchiò di crimini orrendi, che probabilmente però vennero perpetrati dal conte Osio; la prima vittima fu suor Caterina, una religiosa che, scoperta la tresca, aveva deciso di parlarne ed in seguito altre persone, coinvolte in vario modo vennero eliminate fisicamente.
Tuttavia alla fine lo scandalo scoppiò con la conseguenza che Virginia venne condannata ad essere murata viva in una cella di un metro per te, con un’unica presa d’aria, nella quale l’ex religiosa visse per 13 anni, fino al perdono che le venne concesso e che le permise di vivere fino alla sua morte da religiosa.

Il conte Osio pagò duramente i suoi misfatti.
Condannato a morte, riuscì a rifugiarsi presso una famiglia, che però lo uccise e lo decapitò.
Tornando alla pellicola,non potendola giudicare in modo troppo severo perchè comunque Visconti mostra doti più che sufficienti, guidando con equilibrio le varie componenti che permettono la realizzazione di un film , quindi fotografia, montaggio ecc. possiamo elogiare senza riserve il cast,composto da ottimi attori che svolgono in modo impeccabile le parti loro assegnate.
Molto brava e sopratutto raffinata Anne Heywood, dai lineamenti aristocratici e dai movimenti altrettanto nobili,bene anche Tino Carraro,Carla Gravina e Antonio sabato e tutti gli atri caratteristi inclusa una giovanissima Rita Calderoni.
Musiche discrete di Ennio Morricone.
La monaca di Monza è un film reperibile, in ottima qualità, sui p2p.

La monaca di Monza – Una storia lombarda
Un film di Eriprando Visconti. Con Luigi Pistilli, Antonio Sabato, Anne Heywood, Hardy Krüger, Caterina Boratto, Giovanna Galletti, Giulio Donnini, Maria Michi, Carla Gravina, Renzo Giovampietro, Tino Carraro, Laura Belli, Michel Bardinet, Rita Calderoni, Francesco Carnelutti Drammatico, durata 102′ min. – Italia 1969.

Anne Heywood … Virginia de Leyva
Hardy Krüger … Padre Paolo Arrigone
Antonio Sabato …Il conte Giampaolo Osio
Anna Maria Alegiani … Suor Ottavia Ricci
Margarita Lozano … Suor Benedetta Homati
Giovanna Galletti …Suor Angela Sacchi
Caterina Boratto … Suor Francesca Imbersaga
Renzo Giovampietro … Vicario Saraceno
Laura Belli … Suor Candida Colomba
Maria Michi … Suor Bianca Homati
Michel Bardinet … Giovanni degli Hortensi
Pier Paolo Capponi … Conte Taverna
Francesco Carnelutti …Cantastorie
Tino Carraro … Monsignor Barrea
Giulio Donnini … Molteno
Carla Gravina … Caterina da Meda
Luigi Pistilli … Conte Fuentes

Regia Eriprando Visconti
Soggetto Eriprando Visconti, Giampiero Bona
Sceneggiatura Eriprando Visconti, Giampiero Bona
Produttore Silvio Clementelli
Casa di produzione Clesi Cinematografica
Fotografia Luigi Kuveiller
Montaggio Sergio Montanari
Musiche Ennio Morricone
Scenografia Flavio Mogherini

L’opinione di mm40 dal sito http://www.filmtv.it

Curiosa l’idea di mettere in scena le vicende della monaca di Monza ricostruite attraverso gli atti del processo che vide protagonista la donna, che ricorda l’idea di Dreyer per La passione di Giovanna d’Arco; partendo da quanto riportato nel libro di Mario Mazzucchelli Una storia lombarda e con una sceneggiatura del regista e di Gian Piero Bona, ecco che per l’ennesima volta nel cinema italiano torna sul grande schermo la controversa figura protagonista anche de I promessi sposi manzoniani (ci avevano già pensato in passato Gallone, Pacini e altri ancora). Il problema principale è che il ritmo latita, i dialoghi sono un pochetto artificiosi e – anche per i due motivi appena riportati – la fredda impostazione della narrazione pare più adatta a uno sceneggiato televisivo o a un fotoromanzo che a un film vero e proprio; non sono comunque male le scelte del cast, che vedono impiegata nel ruolo centrale Anne Heywood e, al suo fianco, Hardy Kruger, Antonio Sabato, Margherita Lozano e Caterina Boratto (e in una particina c’è anche la futura diva di Z-movies Rita Calderoni). Non essendo ancora nell’era dello sdoganamento del sesso al cinema, l’erotismo piuttosto forte che la storia sottende è comunque castigato; le scene di Flavio Mogherini funzionano così come la colonna sonora di Ennio Morricone e a completare un cast tecnico di prima qualità troviamo i costumi di Danilo Donati, la fotografia di Luigi Kuveiller e il montaggio di Sergio Montanari.

L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com

Torbido conventuale diretto dal duca di Modrone nipote di Luchino conte di Lonate Pozzolo, lontanissimo dal Manzoni (qui la sventurata risponde sempre e volentieri) ma aderente alla verità storica dell’amour fou fra suor Virginia de Leyva e lo scopereccio Giampaolo Osio. Malgrado le aspirazioni alte e la notevole caratura della compagine tecnica l’insieme, fra pulsioni erotiche e secentesche cupezze ecclesiastiche, è più in zona fotoromanzo nero che affresco in costume. Non è necessariamente un difetto.

L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com

Anche in questa ricostruzione delle sventure di Marianna de Levya e Giampaolo Osio il cinema di Visconti jr. pencola tra logica commerciale e libera autorialità; ovvero, resta incerto tra distendersi sull’epidermide sensazionalistica e morbosa della vicenda (lussurie, intrighi, scandali e supplizi da romanzo d’appendice) o inciderla con il ricorso a fonti storiche dirette e le raffinatezze estetiche ereditate da zio Luchino. Interpretazioni nella media, con balzi di Carraro e della Gravina. Al cantastorie Carnelutti il regista affida il proprio amore per la natia terra lombarda.

L’opinione di Lucius dal sito http://www.davinotti.com

La storia la conosciamo: le debolezze della carne, che si fanno ancora più eclatanti quando si indossa un abito religioso. La pellicola è lenta e lontana dalla perfezione stilistica dello zio Visconti. Non basta mettere in scena torture corporali per placare il desiderio di possedere l’aitante playboy, così come ispirarsi al capolavoro I diavoli di Ken Russell per realizzare un’opera degna di restare nella memoria dello spettatore. Fallisce perfino Morricone con la sua patetica melodia, mentre resta l’erotismo libidinoso. Anticlericale e morboso.

Bibliografia:
Roberto Gervaso, La monaca di Monza. Venere in convento, Bergamo, Bompiani, 1984
Mario Mazzucchelli, La monaca di Monza, Dall’Oglio editore, 1962
G. Farinelli ed E. Paccagnini, Vita e processo di suor Virginia Maria de Leyva, Monaca di Monza, Milano, Garzanti, 1989

Suor Virginia in un dipinto d’epoca

Gian Paolo Osio

Foto d’epoca del Convento delle Grazie a Monza

L’arcivescovo Borromeo,che istituì il processo a Suor Virginia

Una casalinga un po frustrata, ormai ridotta alla stregua di una sguattera che vive una vita piatta, barcamenandosi tra il menage famigliare, i figli, la casa da pulire.
Una casalinga qualsiasi, quindi.
Che però vedrà la vita cambiare radicalmente durante un viaggio in Francia, dove conosce la giovane Liliane, una ragazza indipendente e sopratutto agli antipodi dal suo stile di vita.
Una donna dalle idee assolutamente femministe, che vive la sua libertà come condizione irrinunciabile.
Tra la tradizionalista Eve e la emancipata Liliane scoppia una passione tumultuosa, che porta Eve a prendere coscienza del suo stato e a decidere di lasciare il marito per riacquistare la sua libertà.

Ma a questo punto la donna è costretta ad una dura battaglia legale per ottenere l’affidamento dei figli che il marito chiede esclusivamente per se.
Poichè lo stesso ha deciso di intraprendere una relazione con una vecchia amica di Eve ed essendo quest’ultima legata ad una relazione considerata proibita,i giudici decidono l’affidamento dei figli al marito della donna.
Che si batte come una fiera per i propri diritti, che cozzano però contro i pregiudizi di una società solo all’apparenza libera ma nella realtà dei fatti profondamente omofoba.
Finale amarissimo.
Diretto nel 1979 da Nouchka van Brakel, regista olandese alla sua prima opera tradotta in italiano, Una donna come Eva, traduzione letterale del titolo d’uscita del film in Olanda Een vrouw als Eva racconta una vicenda complessa di amore lesbico tra una donna sposata e una dalla vita completamente opposta, con conseguenti problematiche legate più al personale delle due protagoniste che alle conseguenze pratiche di un amore visto comunque come amorale dalla società olandese,pur all’avanguardia nelle conquiste sociali e civili.

E’ proprio il sentimento anti omosessuale o meglio anti lesbico, i pregiudizi che esso suscita ad essere uno dei due temi portanti del film,che finisce però per affrontare un altro tema scottante, quello del futuro dei figli di una coppia tradizionale che si scioglie e l’affidamento da definire degli stessi figli una volta che la madre degli stessi sceglie un’unione non tradizionale.
Il film verte proprio su questo, sull’impossibilità da parte della società di accettare come normale un legame lesbico, tanto da elevarlo al rango di famiglia.
La durissima battaglia legale tra Eve e il marito è il terreno di scontro di due concezioni antitetiche della famiglia, con scontata predilezione per quella fatta da un uomo e una donna.
Il punto cruciale del film diventa proprio il momento in cui il marito di Eve annuncia al giudice la possibilità di un matrimonio per dare ai figli una famiglia classica, in netto contrasto con la relazione impossibile e non riconosciuta (almeno all’epoca) tra Eve e Liliane.

Finisce in maniera scontata: i giudici optano per l’affidamento al marito, che garantisce ai figli la sicurezza sociale di un matrimonio fra due esseri umani di sesso diverso, in perfetta linea con quanto sia le leggi che la morale corrente proteggono ed esaltano.
Inutile la battaglia di Eve, che in questo non è minimamente supportata da Liliane, che è attratta da Eve e non di certo dai suoi figli.
Film amaro e lucido, interpretato da due attrici bravissime e anticonformiste come Monique Van de Ven e Maria Schneider, che rendono particolarmente vividi i loro personaggi, consegnando due ritratti di donne assolutamente particolari.
Monique Van de Ven, l’Eve del film, passa da una condizione di vita tradizionale, in cui contano solo i figli da accudire, la casa e l’asservimento al marito ad una condizione totalmente opposta, che passa attraverso una relazione lesbica che la donna vive con amore ma anche con la spada di Damocle dell’affetto che prova per i figli, un legame simbiotico che non è annullabile da nulla, nemmeno dall’amore.
Liliane è invece una donna libera, senza legami, che si infatua di Eve ma non al punto di condividere la battaglia che l’amante farà per la custodia dei figli.

Le due attrici mostrano quindi in modo esemplare le due personalità dissimili, caratterizzandole in maniera pressochè perfetta.
Brava la regista Nouchka van Brakel nel cogliere dettagli, nell’esaltare l’amore tra le due donne (anche in senso biblico) ma sopratutto capace di cogliere le problematiche della vita di Eve lanciando al tempo stesso una specie di guanto di sfida alla morale corrente della società.
Un film purtroppo quasi introvabile nella versione italiana, che circola solo sui p2p peraltro in versione non completa.

Una donna come Eva
Un film di Nouchka Van Brakel. Con Maria Schneider, Peter Faber, Monique Van De Ven, Marijke Merckens Titolo originale A Woman Like Eve. Drammatico, durata 93 min. – Olanda 1979

Monique van de Ven … Eve
Maria Schneider … Liliane
Marijke Merckens … Sonja
Peter Faber … Ad
Renée Soutendijk … Sigrid
Anna Knaup … Britta
Mike Bendig … Sander
Truus Dekker … La mamma
Helen van Meurs …L’avvocato
Karin Meerman …Una zia
Theo de Groot … Zio
Trudy de Jong … Un’altra zia
Marjon Brandsma … Margreet
Elsje Scherjon … Assistente sociale

Regia: Nouchka van Brakel
Soggetto:Nouchka van Brakel, Judith Herzberg
Produzione:Matthijs van Heijningen
Musiche:Laurens van Rooyen
Fotografia:Nurith Aviv
Montaggio:Ine Schenkkan
Art direction:Inger Kolff

L’opinione di Maso dal sito http://www.filmtv.it

Sfiora il cult movie questo intenso film olandese in cui Monique Van de Ven interpreta il ruolo della Eva del titolo, sposata e turbata madre di due figli, che durante la visita
ad una comunità hippies in Francia scopre la sua sessualità nascosta in seguito all’incontro con Lilianne, Maria Schneider, che è una ragazza senza radici e già conscia del proprio essere.
La prova delle due attrici è da elogiare, e regge la difficile rappresentazione di una passione inaspettata tutta al femminile in cui le scene di nudo esplodono senza censure virtuosistiche ed i corpi di Monique e Maria possono fondersi senza inibizioni visto che entrambe sono due fuoriclasse del nudo disinvolto e sfrontato; allo stesso tempo riesce a raccontare la sociopatia della protagonista costretta alla rottura con il marito e a scendere a compromessi per non perdere i suoi figli mancando ai doveri di una madre, una scena e una battuta in particolare mi hanno sempre colpito
in questo film: nella casa barcone dove stanno trascorrendo il week end Lilianne è seccata dalla presenza dei figli di
Eva e le dichiara “Amo te non i tuoi figli” a sottolineare una personalità che non vuole dare chance alla stabilità e ostenta ancora un fiero femminismo.
La regia della Van Brakel non si discosta dal tono drammatico, realistico della storia e non è quindi particolarmente memorabile ma nello scavo dei
caratteri ha avuto la mano felice, favorita ovviamente dalla presenza di due icone come la Schneider: attrice non eccezionale ma mitica e maledetta e la Van de Ven più equilibrata, molto bella e capace nella recitazione.

Sul suo letto di morte, la giovane Eugénie Radeck detta le sue memorie allo scrittore Attila Tanner che annota scrupolosamente il tutto.
Eugenie vive con il patrigno, Albert Radeck,dopo che sua madre è morta;il rapporto tra i due è esemplare ed Eugenie adora letteralmente il patrigno.
Ma Albert Radeck ha una vita assolutamente segreta e non è affatto con gli altri la persona affettuosa che è quando si trova in compagnia di Eugenie;l’uomo scrive libri a sfondo sadico ed erotico e per creare storie sempre più avvincenti mette in pratica terribili omicidi.
Quando Eugenie scopre la cosa, invece di fuggire decide di diventare complice dell’uomo e subito dopo sua amante.
I due diventano così una coppia omicida fino al giorno in cui Albert sceglie come vita un giovane musicista,Paul.
La ragazza frequenta il giovane e alla fine se ne innamora provocando la terribile reazione di Albert che uccide Paul, ferisce mortalmente Eugenie e alla fine si uccide.
Ed è proprio una Eugenie in fin di vita a raccontare ad Attila tutta la sua storia, implorando lo scrittore affinchè la aiuti a morire.Ma non è necessario l’intervento dell’uomo, perchè Eugenie chiude gli occhi per sempre.

De Sade 2000, o anche Eugenie, titolo con il quale il film è decisamente più famoso è diretto nel 1974 da Jesus Franco,che si ispira al romanzo “Eugénie de Franval” del Marchese de Sade utilizzando come protagonista principale, nel ruolo della timida dapprima, perversa poi Eugenie l’attrice Soledad Miranda, al suo ultimo film prima dell’incidente mortale che la strappò alla vita a soli 27 anni.Musa con Lina Romay del regista spagnolo, Soledad Miranda da vita ad un personaggio sensuale ed erotico in modo impressionante, mostrando che, avesse avuto la fortuna di vivere, sarebbe diventata un’attrice di rilievo nel firmamento cinematografico.
Pellicola molto curata dal punto di vista fotografico un pochino meno da quello della sceneggiatura, Eugenie è comunque uno dei migliori prodotti di Jess Franco, che in questa pellicola bada molto ai particolari, oltre a comparire nella parte marginale di Attila.

La storia ha un suo svolgimento logico, anche se un collante maggiore tra gli omicidi non avrebbe affatto guastato nulla;tuttavia è la conturbante e maliziosa, ma al tempo stesso Soledad a calamitare l’attenzione e probabilmente senza la splendida attrice andalusiana il film non avrebbe avuto lo stesso fascino.
Eugenie segue, nella filmografia di Franco il buon Lo specchio del piacere; è il periodo migliore del regista che poco tempo dopo inizerà la sua produzione di massa incentrata principalmente su film porno.
Per quanto riguarda la reperibilità del film, su You tube è presente una splendida versione ma non in italiano; seguendo questo link https://www.youtube.com/watch?v=lXAVWnh8HYs potrete comunque godervi il film che è facilmente decifrabile se si ha qualche rudimento d’inglese

De Sade 2000 (Eugenie)
di Jesus Franco, con Soledad Miranda,Paul Müller,Greta Schmid,Andrés Monales,Jesús Franco,Alice Arno Drammatico/Thriller,Lichtenstein 1974

Soledad Miranda: Eugénie Radeck
Paul Müller: Albert Radeck
Jesús Franco: Attila Tanner
Andrés Monales: Paul
Greta Schmidt: Kitty
Alice Arno: fotomodella
Karl Heinz Mannchen: cabarettista

Regia Jesús Franco
Soggetto Marchese de Sade (Eugénie de Franval)
Sceneggiatura Jesús Franco
Produttore Karl Heinz Mannchen (Prodif Ets./Vaduz, Liechtenstein)
Fotografia Manuel Merino
Montaggio Clarissa Ambach
Musiche Bruno Nicolai

L’opinione di Giurista 81 dal sito http://www.filmtv.it

Film che viene ricordato come l’ultima pellicola interpretata dalla sensuale Soledad Miranda, prima dell’incidente stradale che le sarà fatale. Probabilmente anche per tale ragioni alcuni fan di Jess Franco reputano De Sade 2000 come uno dei suoi capolavori. Tale conclusione, a mio avviso, è un po’ affrettata pur ritenendo l’opera (per la cura nella messa in scena) tra i migliori lavori dell’artigiano spagnolo.
Il film è incentrato su un soggetto decisamente morboso e incestuoso. Abbiamo un patrigno e la sua giovane figlioccia che decidono di adescare delle vittime consenzienti per i loro giochi sadici. I due fotografano e riprendono il tutto, chiedendo pose sempre più spinte e partecipando alle stesse. Ciò che i malcapitati non sanno è che tali giochi si concluderanno con la loro morte.
Dunque un soggetto interessante e coraggioso per l’epoca, impreziosito da una fortissima componente erotica, ma non sfruttato appieno da Franco. Il film ha delle parti ultra dilatate (specie all’inizio) e trova delle soluzioni per mascherare l’identità degli assassini piuttosto macchinose e poco verosimili, pretendendo poi di far passare gli omicidi (la loro messa in scena lascia un po’ a desiderare) come assassinii perfetti. Non c’è traccia della polizia, l’unico che indaga è uno scrittore, interpretato dallo stesso Franco, che spia la coppia per sua semplice curiosità intellettuale (sembra quasi ammirarli).
Ciò di cui si sente la mancanza maggiore sono degli sviluppi centrali finalizzati a dare verve a una storia che invece procede tra un assassinio e l’altro, coinvolgendo poco lo spettatore (scene erotiche a parte).
Nonostante tutto il film si lascia guardare e ha un epilogo melodrammatico di puro gusto franchista (la giovane scopre il vero amore, ma non potrà gustarselo) che risolleva un po’ le sorti.
Bene Muller (i più lo ricorderanno nel ruolo del direttore bastardissimo nella saga Fantozzi) e la Miranda (a mio avviso più “fatale” in film quali Vampyros Lesbos, She Killed in Ecstasy o Una Venere senza nome per l’Ispettore Forrester). Comparse tutti gli altri
L’opinione di Undying dal sito http://www.davinotti.com

Scritto in sei giorni – nell’anno di (dis)grazia 1788 – Eugenie Depranval rappresenta un classico della depravazione sadiana, con disagevoli risvolti incestuosi non meno disturbanti del contenuto filosofico di De Sade (la sofferenza partorita dal piacere e/o viceversa). Franco, qui ispirato come poche altre volte, avvantaggiato da un piacente e prestante Soledad Miranda (alla quale, inevitabilmente, spetta il ruolo della castigata, in tal caso dal patrigno cui presta corpo l’adatto Paul Muller) sviluppa un film complesso e avvincente, destinato a traghettarci al di là del Bene e del Male.

L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com

Gli omicidi – applicazione criminale delle teorie sadiane e scaturigine della passione morbosa tra figlia e patrigno – si consumano nel contrasto tra esterni plumbei e innevati ed esterni caldi ed eleganti; tale immobilismo narrativo si increspa in dirittura d’arrivo, quando un rapido sguardo alla realtà del tempo – l’incontro con il musicista cheguevariano – fa esplodere la tragedia familiare. La Miranda, scalza e in succinti abitini oppure in nudi integrali, è una vittima/carnefice che paralizza con la sua carica erotica colma d’innocenza e dolcezza, così come di malizia e perversione

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Tra il finire degli anni sessanta e i primi anni settanta apparvero sugli schermi diversi film assolutamente anticonvenzionali, con tematiche differenti ma accomunati dal desiderio, da parte dei registi, di raccontare in modo alternativo la società, l’amore, la vita matrimoniale, coinvolgendo cioè tutti i capi saldo su cui la società stessa si fonda.
Film come Calamo, Un attimo di vita e altri raccontavano in modo diverso e sopratutto con stili completamente diversi la realtà, spesso in maniera confusa ma quantomeno difformi dagli standard abituali.
Un amore oggi, diretto da Edoardo Mulargia nel 1970 prova a raccontare una storia d’amore alternativa, quella tra due persone con un vissuto triste alle spalle, che si incontrano, si innamorano e alla fine vedranno i loro destini cambiati irreversibilmente.

Lui è Albert, un fotografo e reporter tormentato dai traumi subiti nell’infanzia e che ha visto aggravare le cose dalla sua esperienza lavorativa in Vietnam mentre lei, Myra,che vive in una strana comunità hippy ha a sua volta visioni e ricordi di sua madre morta ad Auschwitz.
I due si innamorano, si prendono, si amano ma l’amore non basta a salvarli da un passato tanto triste.
Mille difetti e pochi pregi per questo inusuale viaggio tra le personalità devastate di due personaggi che vivono il presente senza riuscire a liberarsi di un passato triste;i condizionamenti che provengono dai loro ricordi sono talmente radicati in loro da impedire anche ad un sentimento totalizzante come l’amore di fugare le nubi che costantemente avvolgono le loro menti.

Sostanzialmente il film di Mulargia, passato dai western a questo che è un film difficilmente classificabile appare come un guazzabuglio disarmonico di situazioni ed emozioni.
Appesantito da fastidiosissime voci fuori campo che cercano di far luce sui passati oscuri dei protagonisti, mozzato brutalmente in alcuni passaggi da flashback inopportuni e insistiti, Un amore oggi risente anche di un peccato originale che inficia da subito la credibilità del film.
Mulargia affida a Juliette Mayniel, all’epoca trentaseienne, la parte di Myra che la massimo nel film dovrebbe averne meno di trenta; la Mayniel è vistosamente troppo matura e sopratutto è poco credibile il personaggio di una donna di quell’età che vive come una hippy la sua vita, mescolata a quella di un gruppo di strani personaggi che evidentemente rappresentano la ribellione di un gruppo di giovani borghesi alla società.

Tra le poche cose buone c’è da rilevare una certa freschezza innovativa nell’uso quasi schizofrenico della macchina da presa e per contraltare all’età vistosamente avanzata della Mayniel, l’indubbio fascino dell’attrice moglie dell’attore Vittorio Gassman che nelle sequenze finali mozza il fiato con la corsa sulla spiaggia, completamente nuda, sequenza però ripresa in modo tale da lasciar intravedere piuttosto che essere esplicita, tributo pesante alla censura dell’epoca.
Un amore oggi è quindi una pellicola che richiede un grosso sforzo per essere seguita compiutamente e non è detto che alla fine ne valga la pena; troppi dialoghi, spesso pallosi, voce fuori campo invasiva e sopratutto recitazione piatta e poco incisiva da parte di tutto il cast rendono indigesta la pellicola stessa.
Da salvare quindi ci sono solo le intenzioni di Mulargia, la bellezza statuaria della Mayniel, l’ambientazione marina della storia e pochissimo altro.

Film tra l’altro assolutamente dimenticato e mai più rieditato in digitale; in rete è presente una versione molto scadente del film che è scaricabile (sempre con le stesse avvertenze, di cancellare il film dopo la visione per i motivi banali che ho più volte espresso) all’indirizzo http://wipfiles.net/mpnreyvn1xa2.html.
Ricordo comunque che essendo il file superiore ad 1 giga dovrete creare un account fittizio per effettuare il download.

Un amore oggi
Un film di Edoardo Mulargia, con Juliette Mayniel,Gino Lavagetto,Mirella Pamphili,Ugo Adinolfi Drammatico, Italia 1970

Juliette Mayniel … Myra / Helena
Gino Lavagetto … Albert Hart

Regia; Edoardo Mulargia
Sceneggiatura:Edoardo Mulargia
Produzione:Giorgio Marzelli
Fotografia:Antonio Modica
Montaggio:Gino Caccianti
Production Design : Gianfrancesco Ramacci
Costume Design : Anna Maria Albertelli

L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com

Incredibile esito dell’incontro fra Mulargia e il cinema sessantottesco: Vietnam ed Auschwitz, hippies stracciaculi che citano Timothy Leary e stereotipatissima vicenda di educazione repressiva raccontata fuori campo, pazzeschi momenti “onirici” e dialoghi devastanti, la Mayniel bona ma palesemente stagionata per la parte, morriconismo di riporto nelle musiche. Insomma, una follia – e una delizia! Preferiamo il Mulargia western, ma questo ha da esser visto per poterci credere.

L’opinione di Renato dal sito http://www.davinotti.com

Film bizzarro, difficile da catalogare. In due parole una tormentata storia d’amore sullo sfondo di una comunità hippy romana; ovviamente gli hippy sono visti “à la Mulargia”, cioè in modo mooolto pittoresco. In ogni modo il film ha un suo fascino particolare, non assomigliando a nessun’altro che abbia mai visto. Forse l’insistito ricorso alla voce off (che non dà pace per tutti i 90 minuti) contribuisce più di altri elementi a rendere la visione una specie di “esperienza mistica”… provare per credere.
L’opinione di Dusso dal sito http://www.davinotti.com

Inaccettabile pellicola di Mulargia che come lato positivo ha una bella colonna sonora e la Mayniel che corra nuda spesso sulla spiaggia ma poco credibile nel ruolo di una hippie, visto che all’epoca era già sui 36. Difficile giudicare un film quasi interamente girato in una tenda su una spiaggia con lui e lei che parlano in modo pazzesco e come se non bastasse è sempre presente una voce fuori campo a ricordarsi il passato del protagonista… Squallidi poi alcuni flashback.

L’opinione di Ronax dal sito http://www.davinotti.com

Fotoreporter tormentato dalla guerra e dai ricordi di un’educazione repressiva e hippy che convive col fantasma della madre uccisa a Auschwitz si incontrano e si amano. Date le premesse, è chiaro che finirà male. Goffo tentativo autoriale di Mulargia, non privo però di un suo fascino retrò, con gli hippies che leggono Timothy Leary, i titoli dei giornali sul Vietnam o l’invasione della Cecoslovacchia, gli incubi psichedelici dei protagonisti. La Mayniel corre su e giù per la spiaggia, nuda o avvolta da tuniche e parei deliziosamente vintage.

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Di svedesi neanche a parlarne, solo tanta noia in questo thriller scialbo uscito nelle sale nel 1969 e poi finito in soffitta senza più essere editato in digitale; avendolo visto nella versione super rimaneggiata trasmessa da un’emittente privata orba di ben 16 minuti di girato presumo sia stato censurato preventivamente di scene lesbiche, essendo quest’ultimo il tema portante del film.
Diretto nel 1969 da Silvio Amadio,regista eclettico capace di spaziare dl western al peplum e convertitosi in seguito al decamerotico prima (Come fu che Masuccio Salernitano, fuggendo con le brache in mano, riuscì a conservarlo sano,…E si salvò solo l’aretino Pietro con una mano avanti e l’altra dietro) e alla commedia sexy in seguito con la quadrilogia interpretata da Gloria Guida (La minorenne,Peccati di gioventù,Quella età maliziosa e Il medico…la studentessa),

questo film ha un solo elemento parzialmente innovativo, ovvero aver introdotto una storia saffica in un film girato in un periodo in cui il tema del lesbismo non era certo pane quotidiano per i registi nostrani.
La storia si incentra proprio sul rapporto morboso che viene a nascere e svilupparsi tra Manuela ed Eleonora, due amiche che si incontrano su una spiaggia dove la seconda si è rifugiata dopo aver divorziato; Manuela,in seguito ad una lite con il fidanzato Franco lo pianta in asso raggiungendo Eleonora, con la quale stabilisce un rapporto morboso che sfocia in un rapporto omosessuale.
Che nel film è più sussurrato che mostrato.
A rompere le uova nel paniere arriva Franco, che scopre la relazione tra le due donne e briga per riprendersi Manuela;ci riesce, con grande scorno di Eleonora che decide di eliminare fisicamente il rivale in amore.
Con un fucile di precisione spara all’uomo uccidendolo, ma non ha fatto i conti con Manuela, che,innamorata di Franco usa lo stesso sistema di Eleonora.

Trama sintetica su un film in cui accade davvero ben poco, con qualche dialogo pseudo femminista di Eleonora, qualche nuotata in costume adamitico delle protagoniste peraltro riprese da lontano per evitare le forbici della censura e davvero poco altro.
Amadio si ispira abbondantemente al film del francese Chabrol Les biches-Le cerbiatte, uscito in Italia con l’allusivo titolo Lesbiches, senza trattino per giocare sulla parola lesbiche, di ben altro spessore e tensione riprendendo il tema delle due amanti e il finale tragico, dove per la verità cambia l’arma dl delitto (un coltello) e la vittima (la più anziana delle due amanti) ma non l’oggetto del contendere, un uomo del quale si è innamorata la protagonista più giovane.
Non può esserci paragone però tra i due film, visto che quello di Chabrol ha profondità e rigorosa tensione, la dove queste caratteristiche mancano quasi del tutto in L’isola delle svedesi.

Che resta prodotto mediocre e deludente.Da salvare le due belle protagoniste Catherine Diamant e Ewa Green mentre da dimenticare l’espressione inebetita di Hillinger.
Non posso suggerire link, vista la mancanza in rete degli stessi.

L’isola delle svedesi
Un film di Silvio Amadio. Con Nino Segurini, Catherine Diamant, Ewa Green Drammatico, durata 91 min. – Italia 1969

Catherine Diamant … Eleonora
Ewa Green … Manuela
Wolfgang Hillinger … Franco
Nino Segurini … Maurizio

Regia:Silvio Amadio
Sceneggiatura: Silvio Amadio,Luigi Mordini,Roberto Natale
Produzione:Gino Mordini
Musiche:Roberto Pregadio
Fotografia:Joe D’Amato
Montaggio:Gino Caccianti

L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com

Al di là di una certa eleganza formale, c’è molto poco. La sceneggiatura sta in in paio di foglietti, le sequenze in campo lungo sono interminabili, la recitazione è a livelli molto bassi, alcuni effetto-notte sono pessimi. Resta la bellezza della Sardegna e di alcuni paesaggi. Se non altro, Amadio non dà l’impressione di voler volare alto, nonostante un paio di citazioni “alte” (“Honni soit qui mal y pense” e “Sic transit gloria mundi”). Nulla in più

L’opinione di Undying dal sito http://www.davinotti.com

Nell’isola in questione non ci sono vere svedesi, ma piuttosto due amiche intime (intimissime, e chi vuol capire capisca) il cui rapporto tende a frantumarsi con l’arrivo di un ex-amante, destinato a diventare, tutto d’un colpo, preda di una gelosa lesbica assassina. Pellicola che percorre diversi binari “di genere” con predominanza di tensione, di tipo erotico, sfociante in un finale altamente drammatico. Di Silvio Amadio sul Davinotti abbiamo scritto diverse volte, e se c’è un film per il quale questo eccentrico autore merita d’essere riscoperto, questo è L’Isola delle Svedesi…
L’opinione di Ilgobbo dal sito http://www.davinotti.com

In rotta col possessivo fidanzato, la bella Manuela va su un’isola, ospite dell’amica Eleonora. Scocca la scintilla… Notevole lesbo-esotico (si fa per dire, siamo a Caprera!), con prevedibile svolta thriller-tragica, e percorso da tutti i fremiti dell’epoca: decisamente il cinema-bis era la nostra vera Nouvelle vague. Le due bellone protagoniste si denudano ogni volta che possono, per la gioia degli spettatori, che nondimeno smoccolano all’indirizzo della censura, visti gli evidenti, numerosi tagli della versione tv. Da vedere, comunque

L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com

Il lungo preambolo erotico-esotico sulla crisi di coppia e l’illusoria fuga verso oasi incontaminate si sviluppa come Les biches, uscito solo un anno prima: l’idillio tra due amiche rotto dall’arrivo di un terzo incomodo e il suo esito tragico, che accelera alle spinte thrilling e ai colpi di fucile di Top sensation. Più allusivi che espliciti, i richiami saffici si limitano ad affettuose carezze e sguardi complici, mentre la fotografia celebra la fusione panica tra i nudi della Diamant e il paesaggio marino. Si respira aria anni Sessanta: prepotenze maschiliste e sgargianti arredi pop.

L’opinione di Vstringer dal sito http://www.davinotti.com

Titolo assolutamente fuorviante per questa storiella saffica che vira sul thriller, roba oggettivamente forte per l’Italia del 1969 anche perché l’elemento erotico è ben più che abbozzato. Regolarmente tagliate le sequenze più calde, rimangono splendide vedute paesaggistiche (Caprera) e un sufficiente sforzo di introspezione psicologica: Amadio non è Kubrick, ma rimane uno dei migliori artigiani dell’erotico ibrido all’italiana, con un solido mestiere registico e gli occhi aperti sulla contemporaneità.

Hollywood,anni 30
L’avvento del sonoro ha praticamente stroncato il cinema muto, relegando in soffitta anche parte dei personaggi che si muovevano attorno all’industria cinematografica del muto stesso.
Boy Wonder, che era a suo tempo un personaggio molto stimato del muto ed un valente regista è ora costretto a vivacchiare girando squallidi film porno nel suo appartamento,trasformato in un set cinematografico; tra i personaggi che lavorano nei suoi film ci sono l’ex diva Harlene e Rex, un attore senza un dollaro e gay.
Mentre è impegnato nelle riprese di un filmino, a casa di Boy arriva un losco produttore legato alla mafia, Big Mac, che tra l’altro si occupa di fornire droga ad Harlene.
La donna ormai schiava delle droghe, finisce per morire di overdose cosa che costringe Rex e Big Mac a portare via il cadavere; in casa di Boy resta Cathy Cake, amante di Big Mac e sopratutto ansiosa di entrare nel mondo del cinema, pur se dalla porta meno onorevole.
Cathy insiste per essere la protagonista del film e alla fine Boy accondiscende; tra i due scoppia una passione improvvisa, che però vede Boy infatuarsi della donna, cosa non ricambiata perchè in realtà a Cathe interessa solo entrare nel mondo del cinema.

L’arrivo improvviso di Big Mac sconvolge i piani dei due; l’uomo, che sospetta immediatamente il rapporto appena nato tra Boy e Cate, decide di ritirare il suo appoggio finanziario al film e si porta via la recalcitrante Cathe.
Per Boy è una disfatta totale; alla porta si presenta un attore, un certo Clark Gable che vorrebbe proporgli di girare un film di quelli veri con lui, ma ormai Boy è moralmente a terra e decide di vendere la sua casa, che verrà abbattuta lasciando il posto ad una autostrada…
Inserts, ,diretto nel 1975 dal regista esordiente John Byrum che cura anche soggetto e sceneggiatura del film, malamente tradotto in italiano con il titolo di Il pornografo è un’acuta e malinconica, oltre che corrosiva analisi del mondo della celluloide.
Vizi, debolezze, falsi miti, pregiudizi, egoismo arrivismo finiscono per essere e diventare i difetti analizzati dal regista con una attenzione e cura (oltre che con uno stile aggressivo e senza mediazioni) che mettono a fuoco quello che realmente c’è dietro lo scintillante mondo del cinema.
Per la sua analisi Byrum sceglie la strada più difficile, ovvero ambienta la storia in una stanza e la analizza i personaggi, praticamente tutti perdenti o negativi della pellicola, trattando la stessa come un pezzo teatrale, usando in pratica l’impianto stesso di una piece teatrale e usando quindi i tempi, i dialoghi e le atmosfere tipiche della rappresentazione teatrale.

Ne vien fuori un ritratto convincente e crudele di alcuni personaggi alla deriva, ognuno spinto da motivazioni diverse e con diverse aspettative tutte legate al mondo del cinema, che Byrum mostra come una fabbrica di incubi, più che di sogni.
Dalla sfortunata Harlene, attrice di una certa fama che ha lavorato con De MIlle e Von Stroheim allo stesso Boy, piccola stella del muto per finire con Cathe, i personaggi della pellicola sono frammenti di stelle cadenti, ormai indissolubilmente legati ad un mondo che dietro le luci nasconde tutto il peggio dei difetti umani.
Qui Byrum usa il bisturi e l’accetta, alternando graffi e fendenti, mostrando cioè un mondo dissoluto in cui l’arrivismo e il cinismo sono comandamenti essenziali per farsi strada.
Lo stesso personaggio ambiguo di Cathe mostra questa dicotomia: la donna appare come arrivista e cinica salvo poi assumere i contorni di un personaggio da tragedia greca quando la storia si avvierà fatalmente verso un finale triste e malinconico, nel quale la speranza di redenzione, forse più teorica che realmente pratica, dei protagonisti stessi mostra impietosamente l’impossibilità di uscire alla fabbrica dei sogni e dal suo mondo menzognero.
Il contrasto fra sogni e realtà è davvero stringente:l’idea di cinema, di successo dei protagonisti si scontra con la squallida realtà di un set in cui la fama, la carriera passano attraverso la tristezza di quello che circonda gli stessi protagonisti, ovvero il sudicio set di un film porno.

Se c’è un appunto da muovere a Byrum riguarda l’uso di dialoghi a tratti artefatti; ma del resto per un film girato in pochi metri quadri, con cinque attori a reggere una storia moralmente disordinata probabilmente non è lecito attendersi di più.
Tutti gli attori del cast si muovono all’unisono, da grandi professionisti, anche se sia Dreyfuss che la Harper, ottimi ed espressivi interpreti appaiono un po troppo giovani per le loro parti, che avrebbero dovuto prevedere attori più in la negli anni.
Peccati veniali, per fortuna, perchè il film regge ottimamente e si lascia guardare con piacere.

 Il pornografo

Un film di John Byrum. Con Richard Dreyfuss, Jessica Harper, Bob Hoskins Titolo originale Inserts. Drammatico, durata 117′ min. – Gran Bretagna 1975.

Richard Dreyfuss: Baby Prodigio
Jessica Harper: Cathy Cake
Bob Hoskins: Big Mac
Veronica Cartwright: Harlene
Stephen Davies: Rex

Regia John Byrum
Soggetto John Byrum
Sceneggiatura John Byrum
Produttore Davina Belling, Harry Benn, Clive Parsons
Distribuzione (Italia) Indipendenti Regionali Orange, General video
Fotografia Denys N. Coop
Montaggio Michael Bradsell
Musiche Will Hudson

L’opinione di Stuntman miglio dal sito http://www.filmtv.it

Baby prodigio è il soprannome di un geniale regista di cinema muto oramai caduto in disgrazia. Schiavo dell’ alcol e delle proprie paranoie, è ridotto a girare inquietanti film porno nella propria abitazione assieme ad un’ attrice eroinomane e ad uno squattrinato attore gay. A produrli è un losco individuo mezzo gangster e mezzo imprenditore di nome Big Mac che sogna proprio di aprire una catena di fast-food. Durante le riprese di un film, la protagonista femminile muore per overdose e a sostituirla sarà la nuova fiamma del produttore che, pur di entrare a far parte del mondo di celluloide, è disposta a qualsiasi cosa. Questa è grosso modo la trama di quest’ interessante esordio di John Byrum che s’ insinua dietro le quinte di Hollywood e ne immortala gli aspetti più ambigui e corrotti. Girato in un unico ampio interno e strutturato come un’ opera teatrale, “Il pornografo” è una pellicola che ben inquadra i lati peggiori della cosiddetta fabbrica dei sogni parlando di vizio, arrivismo, pregiudizio, ipocrisia, ed egoismo. Diretto con estro e dotato di uno script intelligente e tagliente è inoltre un ottimo banco di prova per un ancora giovane Richard Dreyfuss che offre un’ interpretazione decisamente convincente.
L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com

La cosa più curiosa è che Dreyfuss e la Harper sono fuori ruolo (troppo giovani entrambi anagraficamente e/o visivamente), ma sono così bravi (il doppiaggio è pure perfetto) che si riece ad accettarli senza particolare fatica. Ottima la Cartwright, eccessivo il personaggio di Hoskins. Unità di luogo e – quasi – di tempo e di azione in un film particolare, che indaga su creazione e distruzione delle persone operate dal cinema, su confusione fra realtà e finzione e su copertura e inversione del ruolo nei rapporti interpersonali. Bel film

L’opinione di Pigro dal sito http://www.davinotti.com

Ottimo esordio registico, e coraggioso: con soli cinque attori, è un film “aristotelico” con unità di tempo e luogo, il salone-set del regista decaduto costretto a fare pellicole porno. Il ritratto del fallito si mescola con quello del rampantismo industriale del produttore che sogna autostrade e con quello della carne da macello, più o meno astuta: attorucoli che sognano fama e denaro. Più che sul cinema è un film sul rapporto che si ha con l’idea di successo, e dunque una fotografia amara sulla nostra contemporaneità.

L’opinione di Homesick dal sito http://www.davinotti.com

Kammerspiel tra dramma e commedia, ingenuità e malizia, rivestito da uno scenario sudicio e cadente: lo squallido mondo dei filmini porno è il cascame della corrotta ed effimera reggia hollywoodiana, che prima crea talenti, poi – spietatamente – li isola e li distrugge. Dialoghi ricchi e vivaci con un quintetto di ottimi protagonisti: l’impotente ed alcolizzato Dreyfuss, l’attrice al tramonto Cartwright, il rampante gay Davies, il cinico e tonitruante Hoskins, la gracile e curiosa Harper dai nivei microseni.

L’opinione di Buiomega71 dal sito http://www.davinotti.com

Straordinario e feroce film “da camera”, forse tra i più belli degli anni 70, che racconta, senza falsi moralismi, la caduta di un regista di film muti con l’avvento del sonoro. Immenso Richard Dreyfuss nella parte del regista (che chiama le gambe delle donne velate con le calze di nylon, “carne in incarto trasparente”), disilluso e cinico. Adorabile Jessica Harper, post Fantasma del palcoscenico e pre Suspiria e come attrice decaduta e svampita, la Veronica Cartwright di Alien. Purtroppo John Byrum è sparito nel nulla. Da recuperare.

Il sogno di Marcella Valmarin,bella ragazza veneta che lavora come cameriera ed è fidanzata con Roberto è quello di diventare un’attrice;siamo nell’epoca mussoliniana ed il cinema è nella fase dei cosiddetti “telefoni bianchi“, quel periodo cinematografico caratterizzato dalla presenza nei film di telefoni bianchi, simbolo di uno status sociale elevato, in netta opposizione ai telefoni neri che erano in possesso della fascia più popolare della società.
Marcella trova nell’impresario Luciani un insperato aiuto; l’uomo la seduce con la promessa di introdurla nel mondo del cinema.
In realtà l’uomo non è affatto un impresario e Marcella lo scopre subito dopo essere arrivata a Roma dove ben presto diventa l’amante di alcuni personaggi che approfittano di lei con la promessa di coronare il suo sogno.
Marcella, che nel viaggio verso Roma ha portato con se Roberto riesce comunque a portare all’altare il suo fidanzato; ma sull’altare Roberto, che ha scoperto di essere stato tradito da Marcella con Bruno,un ufficiale fascista, la pianta in asso sull’altare gridandole parolacce.

Così a Marcella non resta che di diventare l’amante di Bruno, che in pratica la trasforma ben presto in una prostituta; la madre di Bruno infatti gestisce un bordello ed è qui che miseramente finiscono i sogni di gloria di Marcella.
Ma un incontro imprime una svolta alla vita della giovane;casualmente diventa l’amante del Duce che la ricompensa facendola finalmente diventare un’attrice e spedendo il malcapitato Roberto in Spagna, dove infuria la guerra civile.
Con il nome di Alba Doris, Marcella che ha alle spalle l’onnipotente figura di Mussolini diviene ben presto famosa e finisce anche per diventare l’amante dell’attore Franco D’Enza, uno stravagante personaggio cocainomane e vanaglorioso.
Ma la rovina incombe su tutti i personaggi legati al fascismo: l’armistizio provoca la caduta del regime e Marcella rimane senza lavoro e per giunta senza una lira.
Così, messi da parte i sogni di gloria, la ragazza ritorna a casa con un viaggio avventuroso durante il quale, per vivere,è costretta nuovamente a prostituirsi.

A casa trova una brutta sorpresa;i suoi, che la credevano ricca, quando scoprono che in realtà Marcella è nelle stesse condizioni di quando è partita la cacciano malamente di casa.
La guerra è finita e Marcella riesce a trovarsi un marito; ma non ha dimenticato Roberto, che ha finito per combattere tutte le guerre del fascismo prima di approdare in Russia.
Marcella approfitta di un viaggio del marito in quel paese per andare a cercare la tomba del fidanzato ma…
Telefoni bianchi, uscito nelle sale nel 1976 è un affresco creato da Dino Risi per celebrare ironicamente il periodo più in chiaro oscuro del cinema italiano, quello dei telefoni bianchi.
In qualche modo il regista milanese tenta di costruire un film con l’impronta della saga ma tutta una serie di circostanze, inclusa una sceneggiatura a corrente alternata impediscono la perfetta riuscita dell’operazione.
Troppo deboli i personaggi, tropo leggera la ricostruzione storica, tropo leggero il tono usato verso un periodo storico viceversa pieno di contraddizioni che il regista non solo non coglie, ma finisce per marginalizzare creando una storia dal tono leggero stridente con la realtà storica degli avvenimenti.

Nonostante un cast di assoluto livello, che include per esempio Ugo Tognazzi e Vittorio Gassman, Agostina Belli e Renato Pozzetto, Maurizio Arena, William berger,Cochi Ponzoni e Lino Toffolo il film sbanda, ondeggia e non affonda solo perchè comunque il gran mestiere di Risi mimetizza i mille difetti, alcuni dei quali capitali, del film.
Che parte benissimo, si smorza nella parte centrale e si riprende solo nel finale con la sequenza in cui Marcella non riconosce nel contadino a cui hanno chiesto informazioni; quello che sorprende maggiormente è la disomogeneità e lo scoordinamento dello stesso sopratutto alla luce del lavoro precedente, lo splendido Profumo di donna dell’anno prima e di quello successivo, Anima persa, un gran bel film anomalo.
In tutti e tre i casi il regista utilizza Vittorio Gassman, che guarda caso proprio in questo film rende al minimo, con un personaggio che non gli è congeniale.

Comunque, non siamo di fronte ad un film brutto ma piuttosto ad un film debole e troppo lungo (2 ore) che comunque si lascia seguire.
Purtroppo non ho trovato link in streaming dello stesso, che è presente in versione digitale sui p2p.

Telefoni bianchi

Un film di Dino Risi. Con Vittorio Gassman, William Berger, Agostina Belli, Maurizio Arena, Lino Toffolo,Cochi Ponzoni, Attilio Dottesio, Michele Malaspina, Ugo Tognazzi, Eleonora Morana, Renato Pozzetto, Alvaro Vitali, Laura Trotter, Monica Fiorentini, Franca Stoppi, Paolo Baroni, Carla Terlizzi, Dino Baldazzi, Leonora Morano, Marcello Fusco, Enrico Marciani, Giovanni Brusateri, Edoardo Florio, Monico Fiorentini, Toni Maestri, Renate Schmidt, Giacomo Assandri Commedia, durata 120′ min. – Italia 1976.

Agostina Belli: Marcella Valmarin, alias Alba Doris
Maurizio Arena: Luciani
William Berger: Franz
Vittorio Gassman: Franco D’Enza
Renato Pozzetto: Bruno
Cochi Ponzoni: Roberto Trevisan
Lino Toffolo: Gondrano
Ugo Tognazzi: Adelmo
Paolo Baroni: segretario di Marcella
Eleonora Morana: madre di Marcella
Dino Baldazzi: Benito Mussolini

Regia Dino Risi
Soggetto Dino Risi e Bernardino Zapponi
Sceneggiatura Dino Risi, Ruggero Maccari, Bernardino Zapponi
Produttore Pio Angeletti, Adriano De Micheli
Musiche Armando Trovajoli
Scenografia Luciano Ricceri
Costumi Luciano Ricceri

L’opinione di sasso67 dal sito http://www.filmtv.it

Film poco riuscito, nonostante le buone premesse, di un regista tra i più sopravvalutati e antipatici della commedia all’italiana. Qui utilizza male anche Vittorio Gassman, oltre ad attribuire il ruolo di protagonista in un film di ambizioni quasi storiografiche ad un’attrice che non ne aveva lo spessore come Agostina Belli. Come detto, l’inizio è promettente, ma il prosieguo si perde in una sfilza di macchiette anche poco divertenti, per sbracare completamente nel finale con una scena indegna di Gassman, che suona come un insulto al bel finale della “Grande guerra”.
Si tratta di un’occasione persa, probabilmente per troppa ambizione rispetto ai mezzi a disposizione: il difetto originario sta nella sceneggiatura, ma nemmeno gli interpreti si dimostrano all’altezza; forse il solo Tognazzi si dimostra all’altezza della propria fama interpretativa nella parte di un gobbo malefico che vende ai nazisti una famigliola di ebrei.

L’opinione di B.Legnani dal sito http://www.davinotti.com

Non sgradevole, ma non riuscito. C’è chi buca (Ponzoni), chi si prende uno spazio (Pozzetto), chi iper-gigioneggia (Gassman). Buono Maurizio Arena. Agostina ci prova, ma non regge un film che cala per snodi faciloni, funzionante talora (il matrimonio fascista, le epifanie ducesche, il postribolo), ma non nell’insieme. Da comico-grottesco tira infine al dramma, con intenti “nobili”, ma non in sintonìa col resto. Talora grazioso, mai bello. La Mancini, non accreditata, è la prostituta vestita da marinaretto.

L’opinione di Guggly dal sito http://www.davinotti.com

Curioso film dalla riuscita altalenante: tanti episodi, per lo più grotteschi, uniti dalla storia di questa inqualificabile servetta che riesce comunque, malgrado tutto, nei suoi intenti. Veramente impressionante l’episodio di Tognazzi e gli ebrei. Gassman gigioneggia, ma il personaggio è azzeccato. Pozzetto e Ponzoni sembrano due cartoni animati. La Belli è il “deus ex machina” attraverso cui raccontare un non glorioso passato che ci appartiene.

L’opinione di Thegaunt dal sito http://www.filmscoop.it

Risi offre uno spaccato d’epoca attraverso due protagonisti dall’amore travagliato e irraggiungibile nello stile del cinema d’epoca, quello dei telefoni bianchi, macchina di propaganda per distogliere un paese dai suoi problemi reali. Marcella si immergerà totalmente in questo sogno precluso a Roberto, ancorato nella vita reale, ma persino per lei il sogno finirà con l’incedere della guerra.
La Belli e Ponzoni sono bravi, però scade troppo nel macchiettistico nei personaggi di contorno, anche se bisogna dire, ad onor del vero, che Tognazzi interpreta una carogna difficile da dimenticare.

Nel 1971 il regista Don Siegel diresse Ispettore Callaghan, il caso Scorpio è tuo, primo film ad istituzionalizzare la violenza come antidoto all’esplodere della stessa violenza usata dalle gang criminali che infestavano le metropoli americane.Una violenza di un poliziotto che ritiene il sistema troppo morbido nell’affrontare il problema della criminalità dilagante, che ingenerò una montagna di critiche verso Siegel e marginalmente verso Clint Eastwood accusato di condividere con il regista una visione “fascista” della società, in cui l’occhio per occhio dente per dente sembra essere l’alternativa vincente contro la criminalità.
Nel 1974 Michael Winner riprende in qualche modo il tema, accusando ancora una volta la polizia di essere troppo tenera verso i criminali e paventando l’uso della giustizia privata come unico antidoto all’esplodere della violenza criminale nelle città.

Il giustiziere della notte esce in un periodo difficile per gli Usa;la guerra nel Vietnam, lo scandalo Watergate hanno creato un clima difficile e le tensioni sociali esplodono con guerre tra gang, con la mafia che controlla i traffici illeciti, bande che scorazzano per i quartieri di New York,Los Angeles o San Francisco e la polizia in netta difficoltà stretta tra leggi iper garantiste e laccetti giuridici che di fatto ne limitano il raggio d’azione.
Winner coglie i segnali che arrivano dalla società civile e con intelligenza va a riprendere il romanzo Death wish di Brian Garfield uscito nel 1972;nasce così Il giustiziere della notte, un film che andando al di la degli indubbi meriti diverrà un cult e creerà un grosso interrogativo sul quale dibatteranno per mesi mass mediologi, critici e giornalisti e cioè se la violenza privata debba o no essere legittimata di fronte a evidenti carenze della legge.
Il film racconta le vicende dell’architetto Paul Kersey, un pacifico e anonimo cittadino a cui dei delinquenti uccidono la moglie Joanna e violentano e traumatizzano la figlia Carol.Dopo il funerale della moglie, e dopo aver visto sua figlia portata via verso un istituto per cure psichiatriche Kersey capisce che la polizia poco può fare per fermare la violenza che dilaga nelle strade.

Dopo un viaggio in Arizona e dopo aver ricevuto in regalo una pistola non registrata, una calibro 32, Kersey decide di agire e si trasforma in un implacabile giustiziere.
Da quel momento l’uomo è ricercato dalla polizia, che teme fenomeni di emulazione e trasformato invece in un eroe dalla popolazione, che vede in lui la ribellione alle frustrazioni quotidiane subite dai malviventi.
Alla fine Kersey uccide due malviventi ma viene ferito da un terzo e finisce in ospedale, dove viene raggiunto dal tenente Briggs che gli comunica l’impunità dai crimini in cambio dell’allontanamento dalla città.
Kersey accetta e parte per Chicago…

Quattro sequel, Il giustiziere della notte 2 (diretto da Winner),il 3 diretto ancora da Winner, il 4 diretto da J. Lee Thompson e infine il quinto e ultimo sequel diretto da Allan Goldstein, che testimoniano il gran successo di questo film autenticamente precursore di un genere che ebbe molte imitazioni, quasi sempre però di bassa lega così come furono decisamente inferiori i sequel al primo capitolo.
Winner sceglie Charles Bronson, già scritturato per L’assassino di pietra e per Professione assassino, volto scolpito nella pietra, come protagonista del film e colpisce nel segno; Bronson da vita ad un personaggio di grande spessore, che diverrà un mito.
Un film non esente da pecche, che però si segue con grande piacere anche per il ritmo serrato che Winner imprime al film;il regista, scomparso nel 2013 a 77 anni ha mano ferma e grande capacità di sintesi cosa che rende il film, pur nell’ambito del poliziesco, uno dei prodotti migliori mai diretti.Il film è disponibile in streaming all’indirizzo http://www.cineblog01.tv/il-giustiziere-della-notte-1974/ in una buona qualità.

Il giustiziere della notte

Un film di Michael Winner. Con Charles Bronson, Hope Lange, Vincent Gardenia, William Redfield Titolo originale Death Wish. Drammatico, durata 93 min. – USA 1974

Charles Bronson: Paul Kersey
Hope Lange: Joanna Kersey
Stuart Margolin: Aimes Jainchill
Edward Grover: tenente Briggs
Vincent Gardenia: Ispettore Frank Ochoa
Gregory Rozakis: Spraycan
Jeff Goldblum: assalitore #1
Christopher Logan: assalitore #2
Kathleen Tolan: Carol Toby
Fred J. Scollay: Procuratore distrettuale
Steven Keats: Jack Toby

Regia Michael Winner
Soggetto Brian Garfield
Produttore Dino De Laurentiis
Casa di produzione Paramount Pictures
Fotografia Arthur J. Ornitz
Montaggio Bernard Gribble
Musiche Herbie Hancock

Giuseppe Rinaldi: Paul Kersey
Rosetta Calavetta: Joanna Kersey
Pino Colizzi: Aimes Jainchill
Cesare Barbetti: tenente Briggs
Antonio Guidi: Ispettore Frank Ochoa
Michele Gammino: assalitore #1
Manlio De Angelis: assalitore #2
Micaela Esdra: Carol Toby
Alessandro Sperlì: Procuratore distrettuale
Massimo Turci: Jack Toby

L’opinione di sasso67 dal sito http://www.filmtv.it

Difficile stabilire se nella scelta finale della polizia, che – analizzate le statistiche da cui risulta che per l’azione del giustiziere è crollato il tasso di criminalità a New York ma si è anche creato un pericoloso fenomeno di emulazione – decide di non arrestare il cittadino Kersey siano ravvisabili le caratteristiche del fascismo. Forse, analizzando bene i fenomeni, non è così, perché se fascismo è organizzare le squadracce (o le ronde, che anche qui da noi qualcuno malvestito di verde aveva proposto), questo è proprio ciò che le autorità di pubblica sicurezza newyorkesi vogliono evitare, mentre il loro obiettivo è quello di restaurare, per quanto possibile, il binomio “legge e ordine”, che è più probabilmente carattere distintivo di una destra occidentale talvolta intransigente ma non fascista. E del resto il rispetto della legge è proprio ciò per cui la polizia in senso lato è stata (o sarebbe stata) inventata.
Di sicuro quello di Winner, che trova in Bronson una perfetta icona, è comunque un attacco virulento alla sinistra imbelle degli obiettori di coscienza (lo dico dal loro punto di vista, in quanto anch’io sono obiettore di coscienza all’uso delle armi), per certi versi narrativamente squilibrato. Ora, è pur vero che a un certo punto, armato della sua calibro 32 l’ingegner Kersey si aggira di notte nei posti più malfamati in cerca di feccia umana (lo dico ancora nell’ottica degli autori del film) da abbattere, ma che davvero tutti questi criminali – nella cui maggioranza hanno i tratti inconfondibili dell’immigrato portoricano, con la chioma simil Jackson 5 – cerchino di rapinare proprio uno con la faccia poco raccomandabile di Charles Bronson mi sembra poco credibile: si vede che non erano mai andati al cinema.
L’attore d’origine lituana incarna perfettamente l’uomo che, a causa di un trauma subito (l’iniziale scena di violenza ha una sua efficace e stilizzata brutalità, che fa pensare quasi alle analoghe sequenze di Arancia meccanica, depurate però del loro aspetto operistico), impugna la pistola per “ripulire” la città e diventa, da questo momento in poi una vera icona, vicina al Clint Easwood dell’ispettore Callaghan. Seguiti e parodie (una anche con Franco Franchi: Il giustiziere di mezzogiorno) ne scolpiscono la mitologia

L’opinione di Angelheart dal sito http://www.filmscoop.it

Il primo film e portavoce assoluto sul vigilantismo e la giustizia fai da te.
Violento, cupo e cattivissimo (la sequenza dello stupro lascia ancora a bocca aperta) con un protagonista perfetto ed un’atmosfera newyorkese talmente lurida e malsana da indurre anche il più coraggioso a barricarsi dentro casa. La critica sociale che si porta dietro è ancora potente ed ahimè più attuale che mai (qui da noi in particolare non si sente parlar d’altro dalla cronaca) tuttavia soffre non poco del peso degli anni, di un ritmo spesso soporifero soprattutto nella parte centrale, e di certi passaggi ripetitivi e poco credibili (il protagonista esce praticamente ogni sera in cerca di guai, ma i guai sembrano venire incontro sempre e solo a lui anche quando è tranquillo).Ad ogni modo rimane una pietra miliare del genere, uno dei film più brutali degli anni 70, e l’apripista per una serie di sequel ed imitatori di alta e bassa lega.

L’opinione di galbo dal sito http://www.davinotti.com

Tra i primi e migliori esempi di un filone fortunatissimo (quello degli uomini comuni che si vendicano dei torti subiti) è stato (in parte giustamente) considerato a lungo un film reazionario. Si tratta però sopratutto un esempio di action molto ben realizzato (il montaggio ed alcune delle riprese più animate sono eccellenti), interpretato da un’attore (Bronson) che è diventato un tutt’uno col personaggio, tanto da essere oggi identificato quasi esclusivamente con questo.

L’opinione di Herrkinski dal sito http://www.davinotti.com

Tralasciando le solite discussioni sul presunto “fascistismo” della storia, questo classico della coppia Winner/Bronson è un eccellente thriller urbano, dai risvolti drammatici. Verosimile e ancora non esagerato come accadrà in alcuni dei sequel, il film è girato molto bene e presenta molte sequenze interessanti anche visivamente. Privo di americanismi inutili e di spettacolarizzazioni hollywoodiane, duro, lucido e concreto. Bronson diventerà una vera e propria icona (a ragione) grazie a questo ruolo. Da vedere!

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1) Chi ha incastrato Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit) di Robert Zemeckis

con Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Joanna Cassidy

2) Rain Man – L’uomo della pioggia (Rain Man) di Barry Levinson

con Dustin Hoffman, Tom Cruise, Valeria Golino, Jerry Molen

3) Il piccolo diavolo di Roberto Benigni

con Roberto Benigni, Walter Matthau, Stefania Sandrelli, Nicoletta Braschi, John Lurie

4) Il principe cerca moglie (Coming to America) di John Landis

con Eddie Murphy, James Earl Jones, Arsenio Hall, Shari Headley, John Amos, Madge Sinclair

5) Rambo III (Rambo III) di Peter MacDonald

con Sylvester Stallone, Richard Crenna, Marc de Jonge, Spiros Focas, Kurtwood Smith, Sasson Gabay

6) Caruso Pascosky (di padre polacco) di Francesco Nuti

con Francesco Nuti, Clarissa Burt, Ricky Tognazzi, Antonio Petrocelli, Novello Novelli

7) Un pesce di nome Wanda (A Fish Called Wanda) di Charles Crichton

con John Cleese, Jamie Lee Curtis, Kevin Kline, Michael Palin, Maria Aitken, Tom Georgeson

8) L’orso (L’ours) di Jean-Jacques Annaud

con Tchéky Karyo, Jack Wallace, André Lacombe

9) Cocktail (Cocktail) di Roger Donaldson

con Tom Cruise, Bryan Brown, Elisabeth Shue, Kelly Lynch

10) Compagni di scuola di Carlo Verdone

con Carlo Verdone, Alessandro Benvenuti, Nancy Brilli, Eleonora Giorgi, Christian De Sica, Natasha Hovey, Giovanni Vettorazzo, Massimo Ghini, Piero Natoli

11) Fantozzi va in pensione di Neri Parenti

con Paolo Villaggio, Milena Vukotic, Gigi Reder, Anna Mazzamauro, Plinio Fernando

12) Frantic (Frantic) di Roman Polanski

con Harrison Ford, Emmanuelle Seigner, Betty Buckley, John Mahoney, Yorgo Voyagis, Gérard Klein

13) Una donna in carriera (Working Girl) di Mike Nichols

con Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Harrison Ford, Alec Baldwin, Olympia Dukakis, Joan Cusack, Kevin Spacey

14) Una pallottola spuntata (The Naked Gun: From the Files of Police Squad!) di David Zucker

con Leslie Nielsen, George Kennedy, Priscilla Presley, Ricardo Montalban, O.J. Simpson, Nancy Marchand

15) Sotto accusa (The Accused) di Jonathan Kaplan

con Jodie Foster, Kelly McGillis, Bernie Coulson, Leo Rossi, Ann Hearn, Carmen Argenziano, Steve Antin, Tom O’Brien

16) Mr. Crocodile Dundee II (Crocodile Dundee II) di John Cornell

con Paul Hogan, Linda Kozlowski, John Meillon, Ernie Dingo, Charles S. Dutton, Juan Fernández

17) La leggenda del santo bevitore di Ermanno Olmi

con Rutger Hauer, Anthony Quayle, Sandrine Dumas, Dominique Pinon

18) L’ultima tentazione di Cristo (The Last Temptation of Christ) di Martin Scorsese

con Willem Dafoe, Harvey Keitel, Barbara Hershey, Harry Dean Stanton, David Bowie, Verna Bloom, Andre Gregory, Juliette Caton, Roberts Blossom, Nehemiah Persoff

19) Donne sull’orlo di una crisi di nervi (Mujeres al borde de un ataque de nervios) di Pedro Almodovar

con Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, Rossy De Palma, Chus Lampreave

20) I gemelli (Twins) di Ivan Reitman

con Arnold Schwarzenegger, Danny DeVito, Kelly Preston, Chloe Webb, Bonnie Bartlett, Hugh O’Brian, Nehemiah Persoff

A sedici anni Arthur Rimbaud è un giovane ribelle, che detesta i lacci della società e delle sue istituzioni, con in testa la famiglia. E’ anche un poeta, Rimbaud, che scrive poesie fuori dai canoni estetici vigenti e subito dopo essersi diplomato con il massimo dei voti, decide di mollare diploma e famiglia, per dedicarsi anima e corpo alla poesia.
Siamo nel pieno dei ferventi rivoluzionari, in Francia; è in pieno fermento l’esperienza della comune e Rimbaud sposa la causa dei comunardi oltre che aderire ad una nuova corrente poetica ed artistica, quella dei simbolisti.
In questo modo conosce un altro poeta, Paul Verlaine, con il quale stringe un’amicizia che sfocia in vero e proprio amore.
Verlaine, sposato, per il giovane Rimbaud lascia la moglie e prende a vagabondare con lui per l’Europa.
Ma le cose fra i due non vanno bene, e dopo che Rimbaud viene ferito da Verlaine, geloso di lui, lascia l’amante deciso a trasferirsi altrove.
In piena crisi poetica, Rimbaud si fa assumere da una compagnia che traffica in Africa con schiavi e armi; il poeta conosce Menelik, il ras etiopica e a lui inizia a fornire armi.

Contemporaneamente conosce la bellissima Gennet, una donna abissina che da quel momento in poi non lo abbandonerà più;una ferita alla gamba, che si trasformerà in cancrena lo obbligherà a rientrare a Parigi, che lui ama e detesta al tempo stesso, ma…
Una stagione all’inferno, diretto da Nelo Risi nel 1971 riprende nel titolo il capolavoro del poeta Arthur Rimbaud, del quale il film racconta una biografia molto romanzata e non priva di inesattezze.
Il libro, che in qualche modo segna l’addio definitivo di Rimbaud alla poesia, ritenuta incapace di cambiare il mondo, in realtà non ha nulla a che vedere con il titolo del film, che è puramente indicativo dell’argomento trattato.
Il film infatti racconta l’amicizia e l’amore di Rimbaud per il poeta Paul Verlaine, le loro crisi personali culminate in un rapporto affettivo e amoroso che si sciolse drammaticamente quando Verlaine sparò due colpi di pistola verso Arthur Rimbaud, che rimase ferito leggermente ad un polso.

Verlaine venne arrestato e nonostante Rimbaud non lo denunciasse, venne comunque condannato a due anni di galera; il film prosegue narrando la vita di Rimbaud in Africa, tra l’Etiopia e l’Abissinia , l’incontro fondamentale con la bella Gennet e infine la malattia che lo porterà alla tomba a soli 37 anni, cinque anni prima dell’amico, mentore e amante Verlaine.
Un film decisamente interessante, pur nei suoi errori e nel freddo formalismo che troppo spesso si affaccia nel film, compensato però da una regia attenta e puntuale, da location assolutamente affascinanti, con le lunghe pianure e le savane africane a farla da padrone.
Risi privilegia il dialogo e la storia drammatica che lega i due grandi poeti maledetti, anche se mette a fuoco principalmente il personaggio di Rimbaud del quale segue le vicende personali.
Spazio anche alla storia d’amore fra il poeta e la nativa Gennet, che amorevolmente assisterà durante tutta la sua permanenza sul continente africano di Rimbaud.
Sicuramente bravi gli attori protagonisti; bravo Terence Stamp nel ruolo tormentato di Arthur Rimbaud, bene anche Jean Claude Brialy nei panni dell’amico Paul Verlaine ma la vera sorpresa è Florinda Bolkan, che si conferma attrice di razza, oltre che splendida creatura nel ruolo di Gennet.Reduce dal grandissimo successo riscosso con Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, regia di Elio Petri (1970) e l’anno precedente con Metti, una sera a cena, regia di Giuseppe Patroni Griffi (1969) l’attrice brasiliana è nel momento magico della sua carriera, che incontrerà un altro grande successo l’anno dopo, con quell’Anonimo veneziano, regia di Enrico Maria salerno che la consacrerà stella di prima grandezza.Molto belle le musiche di Jean Michel Jarre.
Un film sicuramente da rivalutare e che purtroppo per oltre quarant’anni è rimasto completamente nascosto; oggi grazie all’edizione in dvd è possibile finalmente rivederlo.

Chiunque voglia vederne una copia molto ben ridotta digitalmente deve solo andare ai seguenti link e scaricare le due parti che lo compongono, unendole poi con 7 zip o con Winrar : https://ultramegabit.com/file/details/gp-HIsQ9i8I/Una70stag.part1.rar e https://ultramegabit.com/file/details/5Gkt0ctCMKk/Una70stag.part2.rar

Una stagione all’inferno
Un film di Nelo Risi. Con Pier Paolo Capponi, Florinda Bolkan, Jean-Claude Brialy, Terence Stamp, Nike Arrighi, Attilio Dottesio, Archie Savage, Sergio Serafini, Lorenzo Piani, Vittorio Fanfoni, Bruno Cattaneo, Giuseppe Maffioli, Patrizia Valturri, Gabriella Giacobbe Drammatico, durata 130′ min. – Italia 1971.

Terence Stamp … Arthur Rimbaud
Jean-Claude Brialy … Paul Verlaine
Florinda Bolkan … Gennet

Regia Nelo Risi
Soggetto Arthur Rimbaud
Sceneggiatura Giovanna Gagliardo
Fotografia Aldo Scavarda
Montaggio Roberto Perpignani
Musiche Maurice Jarre

L’opinione del Morandini

Vita e morte di Jean-Arthur Rimbaud (1854-1891), leggendario giovane poeta francese, dai suoi rapporti con Paul Verlaine al traffico d’armi nell’Etiopia di Menelik. N. Risi è un regista colto, ma gli manca la stoffa del narratore di razza per fare del poeta Rimbaud un vero personaggio. Ambiziosa, impudica, scombinata biografia in confezione raffinata.

Grazie alla collaborazione di alcuni lettori, sono nate alcune novità che sono state introdotte nel sito.Vediamole nel dettaglio:

- E’ stato fatto un restyling di alcuni articoli, molti ne seguiranno; sono state inserite le recensioni provenienti da altri siti, aggiornate le gallerie fotografiche, aggiunte locandine e lobby card;

- Sono state introdotte le Photogallery di alcune attrici attive sopratutto tra il 1960 e 1980 e ovviamente ne seguiranno molte altre;

- A breve verranno introdotte gallery di screen caps di alcuni dei film più importanti recensiti nel sito; queste gallery conterranno foto inedite, foto di scena e brevi sequenze screen shots oltre a gif animate;

- Ove possibile, ho inserito i link per vedere in streaming o per scaricare (secondo le leggi vigenti,quindi per 24 ore dal download) film da You tube o da siti di sharing: tutti i link di sharing sono stati verificati personalmente  e a parte i soliti fastidiosi pop up non contengono virus.E’ tuttavia consigliabile avere attivato un firewall o un anti virus

- Per motivi legati alla legge sul copyright, non è possibile purtroppo avere lo share diretto di film completi

Buon proseguimento

Filmscoop

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Tre anni dopo il lusinghiero successo di More, il regista di origini iraniane Barbet Schroeder gira La vallee, cambiando completamente registro al genere di film e passando quindi ad un atipico road movie ma utilizzando ancora la musica dei Pink Floyd a supporto della pellicola. Una presenza discreta, forse troppo quella dei Pink Floyd, che appaiono con la loro musica solo per brevi sequenze e che verrà raccolta, insieme ai frammenti di More nell’album Oscured by clouds
Schroeder, regista anticonformista e sperimentale, sempre alla ricerca di soluzioni visive di profondo impatto, sceglie questa volta di utilizzare una sceneggiatura stringatissima, usandola solo come linea guida di quello che sarà il viaggio di una donna in un territorio vergine, la nuova Guinea, alla ricerca di una valle inesplorata ed abitata da nativi che non hanno mai conosciuto l’uomo bianco.
Su questa struttura semplice, che ricorda un po La montagna incantata o uno dei tanti film d’avventura a sfondo esotico, Schroeder innesta la storia di Viviane, moglie del console in Australia, donna ricca e molto annoiata che per sfuggire alla monotonia della sua vita decide di intraprendere un lavoro particolare, ovvero occuparsi della vendita di oggetti esotici o comunque rari.

Sarà durante la ricerca di un rarissimo uccello tropicale che Viviane incontrerà dei giovani hippy che rincorrono il sogno di trovare una valle mai esplorata dall’uomo, che peraltro non figura su nessuna mappa, essendo coperta perennemente da nubi.
Unitasi al gruppo, Viviane vivrà un’avventura straordinaria, fra paesaggi incontaminati e bellezze naturali da lasciare senza fiato; sarà per lei un’occasione di crescita coronata alla fine dall’incontro con la tribù indigena dei Mapuga e dalla visione della tanto agognata valle.
Storia di un viaggio, storia marginale di una donna e ancor più marginalmente di un gruppo di giovani hippy e principalmente storia di un paradiso selvaggio, quello della Nuova Guinea.
Storia di un fotografo,Néstor Almendros, che cattura l’anima selvaggia e lussureggiante della Nuova Guinea con un’abilità unita ad un romanticismo sorprendenti;magicamente le montagne e le valli, gli alberi e i fiori fino alla tribù Mapuga sembrano acquistare una dimensione fiabesca accompagnate dalla discretissima colonna sonora dei Pink Floyd.

L’esperienza di vita dell’oziosa e annoiata Viviane diventa un viaggio alla ricerca di una dimensione spirituale che finirà per essere immensamente più appagante della vita precedente, del suo legame con un marito ricco ma perennemente assente, dell’adagio nelle mollezze tipiche della civiltà occidentale.
La donna scoprirà una diversa spiritualità, legata in maniera arcana alla natura, così come fanno i Mapuga, che vivono solo con quello che la natura fornisce loro.
Per Viviane sarà una scoperta in tutti i sensi: ne gioverà anche la sua sessualità.
Fare l’amore tra i giganteschi alberi della foresta vergine, fra lussureggianti piante e in mezzo ad un verde accecante le restituirà anche la pace dei sensi, le restituirà una sessualità completa e appagata.
Quando il gruppo si avvia alla ricerca della valle, sa benissimo che nessuno è mai tornato da quel viaggio:al termine dello stesso si ipotizza che possa esserci un pericolo mortale, ma in realtà il vero pericolo fin irà per essere la ricerca stessa, perchè la diversa dimensione di vita, la spiritualità finalmente appagata trasformeranno il viaggio stesso nell’approdo verso un eden che non si può più abbandonare.
Schroeder dirige quindi un film che viaggia sul doppio binario della ricerca dell’assoluto rappresentato da un ritorno arcaico ad uno stile di vita primordiale e quello della ricerca di se stessi.
Grazie alla citata fotografia di Almendros, alla bravura principalmente dell’attrice francese Bulle Ogier, che diverrà in seguito sua moglie, il regista costruisce un film denso di fascino e mistero che non potrà non lasciare colpito lo spettatore.

Qualche anno prima Walkabout di Roeg e qualche anno dopo Picnic ad Hanging Rock viaggeranno sullo stesso tema, riproponendo cioè paesaggi selvaggi e natura incontaminata, una ricerca dell’uomo verso la sua essenza più totale, priva degli orpelli della civiltà occidentale.
La vallee non ha mai avuto incredibilmente una versione doppiata in italiano, pur essendo stato riproposto in digitale.Tuttavia le versioni presenti in rete, in lingua inglese, presentano la possibilità dei sotto titoli in italiano e occorre quindi adeguarsi. La versione migliore che ho trovato è in streaming all’indirizzo http://www.nowvideo.at/video/bddaab030bf40 con una discreta qualità digitale e dei sottotitoli non invadenti.Attenzione ai fastidiosissimi pop up, che dovrete chiudere prima di poter finalmente visionare il film. Vi consiglio, nella scelta del sito di streaming, lo share di Nowvideo presente nell’elenco.

La vallée
Un film di Barbet Schroeder. Con Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon, Michael Gothard, Jérôme Beauvarlet, Monique Giraudy Drammatico, durata 100′ min

Bulle Ogier … Viviane
Jérôme Beauvarlet … Yann
Monique Giraudy … Monique
Michael Gothard … Olivier
Jean-Pierre Kalfon … Gaetan
Valérie Lagrange … Hermine

Regia Barbet Schroeder
Sceneggiatura Barbet Schroeder, Paul Gégauff
Produttore Michel Chanderly, Stéphane Tchagadjieff
Casa di produzione Les Films du Losange, SNC
Distribuzione (Italia) Rarovideo
Fotografia Nestor Almendros

L’opinione del Morandini dal sito http://www.mymovies.it

Viviane moglie del console di Francia a Melbourne, si unisce a una spedizione che intende scoprire una valle sconosciuta. Attratta dal suo capo, ne diventa l’amante e con lui s’inizia ai riti indigeni, affronta varie peripezie e scala alcune montagne finché, stremati, i due scoprono la valle. In bilico tra finzione e documentario, influenzata dall’ideologia hippy di moda negli anni ’60, questa ricerca di una felicità mitica ha scrittura di taglio contemplativo, ritmo lento, assidua attenzione alla bellezza dei paesaggi. Fotografia (Cinemascope): Nestor Almendros. È uno dei tanti film estremi dell’irregolare Schroeder. Si è spinto sino a 4000 m d’altezza nella Nuova Guinea, fra tribù che non avevano mai visto una donna bianca, con una troupe ridotta al minimo, senza jeep né elicotteri.

L’opinione di Fauno dal sito http://www.davinotti.com

A parte la bellissima fotografia ha ben poco… La colonna sonora è molto limitata e non ha certo l’impatto che ha avuto quella di More, ma quel che è peggio è che il film è povero di contenuti… d’accordo le piume degli uccelli rari e le danze tribali, l’amore libero… ma si affrontano poco e con molta poca tenacia lo spirito, la mentalità hippy, l’emotività per quello che si va a scoprire… sembra una pura e semplice escursione alla Ambrogio Fogar: tutti sono sfiniti, allo stremo e d’improvviso ecco la vallata e la fine del film. Manca la carica!

L’opinione di Kotrab dal sito http://www.filmtv.it

Curioso film figlio del suo tempo e finanche suggestivo: ambientato in Nuova Guinea, una donna è alla ricerca di piume di uccelli esotici, incontra due ragazzi e una ragazza dediti all’amore libero e in cerca di una misteriosa valle da cui nessuno pare essere tornato in quanto sito del Paradiso. Il viaggio però si rivela ambiguo: è veramente un cammino iniziatico, a contatto con la “naturalità” dei popoli indigeni, o solo turismo modaiolo? Il film di Schroeder è discreto, interessante e ben fotografato (vedi l’incipit), ma che a volte si perde in lungaggini poco incisive. Interessante un dialogo in cui si mettono in risalto le possibili contraddizioni del rapporto tra gli occidentali e gli indigeni, in cui si crede di trovare la risposta alla fuga dall’Occidente non vedendo le sottili, nascoste insidie di un modo di vivere lontano dal nostro

Obscured by Clouds – 03:05 (Waters, Gilmour) – Strumentale.
When You’re In – 02:31 (Waters, Gilmour, Wright, Mason) – Strumentale.
Burning Bridges – 03:30 (Wright, Waters) – Voce di Gilmour e Wright.
The Gold It’s in the… – 03:08 (Gilmour, Waters) – Voce di Gilmour.
Wot’s… Uh the Deal – 05:09 (Gilmour, Waters) – Voce di Gilmour
Mudmen – 04:18 (Wright, Gilmour) – Strumentale.
Childhood’s End – 04:33 (Gilmour) – Voce di Gilmour.
Free Four – 04:16 (Waters) – Voce di Waters.
Stay – 04:07 (Wright, Waters) – Voce di Wright.
Absolutely Curtains – 05:51 (Waters, Gilmour, Wright, Mason) – Strumentale

David Gilmour – chitarra e voce
Roger Waters – basso e voce
Richard Wright – tastiere e voce
Nick Mason – batteria
Musiche Pink Floyd